Wong Pak Hang: Robinienhof
Interview: Gamze Can. Publiziert am 23. SEP 2024.
— Bist du mit Gelsenkirchen und den GOLDSTÜCKEN vertraut? Was hat dich motiviert, dich auf den Open Call zu bewerben?
Ich kannte Gelsenkirchen nicht, also habe ich es auf Wikipedia nachgeschlagen. Über GOLDSTÜCKE weiß ich, dass es ein Licht- und Medienkunstprojekt mit einem dezentralen Ausstellungsformat ist. Was mich wirklich motiviert hat, mich zu bewerben, war die Möglichkeit, mein Video im öffentlichen Raum zu zeigen. Ich denke, dass die Präsentation dieses Kunstwerks in einem offenen, öffentlichen Rahmen ein breiteres Publikum erreichen kann. Obwohl das Werk von spezifischen asiatischen kulturellen Kontexten beeinflusst ist, glaube ich, dass die Themen von Spannung und Emotion, die es behandelt, für Menschen auf der ganzen Welt relevant sind, besonders angesichts der verstärkten globalen Unsicherheiten in diesem Jahr. Diese Emotionen und Szenen in einem öffentlichen Rahmen zu zeigen, fühlte sich für dieses Stück richtig an—es schafft Raum für Dialog und Reflexion.
— Wie würdest du deine künstlerische Praxis beschreiben?
Meine Arbeit ist tief in der Gesellschaft verwurzelt, bleibt aber sehr persönlich. Ich arbeite oft mit Video, Bildern und Fotografie, da diese Medien eine direkte Referenz zur Realität bieten und dem Publikum helfen, den Kontext und die Botschaft des Kunstwerks besser zu verstehen. Meine Projekte beginnen normalerweise mit dem Inhalt oder einem Konzept, und obwohl ich nicht explizit politisch oder sozialkritisch sein möchte, tauchen diese Themen natürlich auf, weil sie widerspiegeln, was mich persönlich bewegt oder wie sich das Publikum fühlt. Es geht weniger darum, bewusst eine politische Aussage zu machen, sondern mehr darum, Emotionen und Perspektiven auszudrücken, die für mich und andere relevant sind.
Visuell bin ich von interessanten Ideen oder einfachen Gedanken fasziniert, wie dem Prozess der Zerstörung oder Transformation. Diese Themen tauchen immer wieder in meiner Arbeit auf und ich finde sie visuell fesselnd. Ich arbeite mit verschiedenen Medien, darunter Video, Fotografie, Standbilder, Installationen und interaktiven Arbeiten, sodass ich mich als bildbasierter Künstler sehe. Meistens lasse ich mich vom Inhalt und Konzept leiten, wenn ich meine Werke kreiere.
— Du hast auch erwähnt, dass du dich in der Gemeinschaftsarbeit engagierst. Was für eine Art von Arbeit meinst du? Kannst du mehr darüber erzählen?
Ja, ich engagiere mich auch in Gemeinschaftsprojekten in Hongkong. Eines meiner jüngsten Projekte bestand aus einer Reihe von Interviews mit verschiedenen Kunstarbeitern—Galeriepersonal, Kunstadministratoren und Menschen aus Kunstschulen. Ich habe ihre Heimwege nach der Arbeit aufgenommen und dabei eine nachdenkliche Erzählung über ihren Alltag geschaffen. Dieses Langzeitprojekt war auch Teil eines Residenzprogramms in einem Dorf außerhalb der Stadt, wo ich Video-Interviews gemacht habe und untersucht habe, wie wir uns in diesen Gemeinschaften um Menschen kümmern. Ich genieße es, mit Menschen in Kontakt zu treten, deshalb baue ich meine Projekte oft um Gespräche herum, sei es mit Kunstarbeitern oder Dorfbewohnern. Auch das ist in visuellen Medien verankert.
— Was hat dich dazu inspiriert, die Darstellung von Zerstörung und Gewalt in Hongkonger Kriminalfilmen zu erforschen? Gab es einen bestimmten Film oder ein Ereignis, das dieses Werk ausgelöst hat?
Die Inspiration für dieses Projekt kommt größtenteils aus der sozialen Atmosphäre in Hongkong, besonders nach der politischen Bewegung im Jahr 2019. Diese Zeit war für viele von uns ein Wendepunkt, da sie unsere Wahrnehmung von Gesellschaft und die sich verändernden Dynamiken zwischen China und Hongkong neu definiert hat.
Hongkonger Kriminalfilme, die international bekannt und gefeiert werden, zeigen oft intensive Szenen von Explosionen, Kämpfen, Schießereien und Zerstörung. Ich fand diese Szenen besonders passend, um die Gefühle der Unruhe und Instabilität darzustellen, die viele in Hongkong erlebten. Indem ich diese ikonischen Momente aus Kriminalfilmen ohne zusätzliche Erzählung zusammenstellte, wollte ich eine Metapher für die Unruhe und Spannung schaffen, die sich in der Gesellschaft aufgebaut hat. Obwohl das Projekt in Hongkong verankert ist, denke ich, dass es auch international relevant ist, da Themen wie politische Konflikte und Unruhen leider in vielen Teilen der Welt aktuell sind.
Ich bin auch ein großer Filmfan, und dieses Projekt hat mir ermöglicht, die technologische Entwicklung im Filmemachen zu erforschen. Es fasziniert mich, zu beobachten, wie sich analoge Effekte und digitale CGI im Laufe der Jahre verändert haben, und dieses Projekt dient als eine Art Archiv, um diesen Fortschritt festzuhalten.
— In deiner Arbeit entfernst du den narrativen Kontext der Filmszenen und konzentrierst dich auf die reinen Bilder der Zerstörung. Was hat dich dazu motiviert, diese narrative Struktur aufzulösen? Welche Botschaft willst du mit diesem Ansatz vermitteln?
Ich habe die narrative Struktur entfernt, weil ich wollte, dass das Publikum vollständig in die Intensität der Szenen eintaucht. In den meisten Filmen passieren Explosionen am Höhepunkt der Geschichte. Indem ich nur diese Momente aus verschiedenen Filmen zusammenstelle, kann ich dieses gesteigerte Gefühl der Spannung während des gesamten Werkes aufrechterhalten und die Aufmerksamkeit des Publikums fesseln. Es gibt keinen Dialog oder eine Geschichte, die das Publikum lenkt—nur reine Bilder von Feuer, Explosionen und Gewalt.
Das tickende Geräusch zu Beginn setzt die Stimmung, aber der Rest ist als Ausstellungsstück gedacht, das den Zuschauern erlaubt, jederzeit zu kommen und zu gehen, ohne die Bedeutung zu verlieren. Ich interessiere mich auch dafür, eine Live-Version mit zufälliger Szenenabfolge zu schaffen, um die Unvorhersehbarkeit zu verstärken und das Gefühl des Chaos zu intensivieren.
— Wie hat die Arbeit an “Unrested Noir” deine eigene Wahrnehmung von Gewalt und Zerstörung beeinflusst? Gab es Momente während des Schaffensprozesses, die deine Perspektive verändert haben?
Ehrlich gesagt, bin ich mir nicht sicher. Da ich mit fiktiven Filmen arbeite, gewalttätige Szenen extrahiere und sie zusammenstelle, habe ich eine gewisse Abstumpfung erlebt. Ich habe bemerkt, dass die Menschen von den Höhepunkten jedes Films angezogen werden, und meine Arbeit hält dieses Momentum aufrecht. Wenn ich schneide, kann es stressig sein, sich so sehr auf gewalttätige Szenen zu konzentrieren, aber nach einer Weile wurde ich davon unempfindlich—es fühlte sich normal an, weil es alles Fiktion ist. Nachdem ich nun so viele Kriminalfilme gesehen habe, erkenne ich Muster und kann vorhersagen, wann die Explosionen oder gewalttätigen Momente passieren werden.
— Hast du ein Lieblingskunstwerk aus dem diesjährigen GOLDSTÜCKE-Programm?
Ich mochte das Werk, das die Schnittstelle von Trennung, zum Beispiel bei Telefonen (KIS – Dreaming Streams), erforscht. Auch die spielerische Verwendung von gefundenem Filmmaterial war eine nette Idee—es wirkte verspielt und ansprechend.